RECURSOS ADICIONALES PARA TERRITORIAL

BIOGRAFÍAS DE ARTISTAS, DESCRIPCIONES DE OBRAS, LECTURAS RECOMENDADAS POR LA CURADORA

RACHELLE DANG

UNCERTAIN HAVEN (REFUGIO INCIERTO), 2019

Madera, pintura acrílica, resina epoxi, arcilla secada al aire, alambre, vidrieras, metal

Por cortesía de la artista

Página web

Acerca de las obras:

A lo largo de varios años, Rachelle Dang ha reconstruido varios transportes botánicos del siglo XVIII basándose en diseños científicos e ilustraciones históricas. Su enfoque se basa en la historia de su familia en Hawái -ella misma nació y creció allí- y en una aguda conciencia de las vulnerabilidades medioambientales y los efectos duraderos del colonialismo. Entrelaza relatos ecológicos, coloniales y personales en estos elaborados armarios, fabricados originalmente para transportar especies de plantas tropicales vivas a través de los océanos hasta Europa y otros territorios coloniales.

En esta obra, Dang ha ampliado y alterado sutilmente el transportador, sellando el interior y su contenido desconocido tras tres capas de madera y vidrieras opacas. Mientras que la forma original operaba dentro de un proyecto naturalista y colonial más amplio para trasladar especímenes de plantas vivas por todo el mundo, ella ha convertido el transportador en algo no funcional. El armario, despojado de su función, adquiere una resonancia psicológica. La forma, que recuerda a una pequeña casa con su conocida estructura en A, también alude a una jaula, un baúl o una tumba. El uso del color por parte de Dang y su aplicación en degradado hace referencia a una acuarela francesa del siglo XVIII en la que se representa el soporte de madera descansando ingrávido sobre almohadones de hierba, en un extraño campo que se extiende hasta el horizonte lechoso.

Formas de hojas -frágiles como la porcelana- quedan atrapadas entre los cristales y la cámara interior entablada del soporte por un lado. También se ha rodeado la estructura del armario con un suelo ondulado de almohadas desgastados y deformes, hechos a mano con arcilla. Estos cojines -en otro tiempo flexibles símbolos de comodidad y seguridad- se han vuelto rígidos, y sus superficies resecas y agrietadas atestiguan el esfuerzo y la desecación, evocando una topografía árida. El portador y los elementos que lo rodean sugieren un inquietante paisaje de pérdida y desplazamiento, de protección cuestionable o de refugio incierto.

Acerca de LA ARTISTA:

Rachelle Dang (Honolulu, HI) crea esculturas y proyectos interdisciplinarios que abordan el legado medioambiental del colonialismo. Sus obras examinan narrativas entrelazadas a través del tiempo y el lugar, reuniendo hechos históricos, investigación botánica, recuerdos personales y alusiones poéticas. Es crítica en la Yale School of Art, artista residente en el Lower Manhattan Cultural Council Workspace (2022-23) y, anteriormente, artista becaria en el Museum of Arts and Design (2022), donde recibió un generoso apoyo y acceso a las instalaciones para producir un nuevo e importante conjunto de obras para su exposición individual en Someday, Nueva York (2022). La obra de Dang se ha expuesto en lugares como A.I.R., Brooklyn (2020); Cornell University, Ithaca (2022); Casey Kaplan, Nueva York (2021); Fergus McCaffrey, St. Barth y Nueva York (2021 y 2019); Smack Mellon, Brooklyn (2019-2020); Lesley Heller, Nueva York (2020); Socrates Sculpture Park, Long Island City (2019); Haverford College Art Galleries, Filadelfia (2019); Hawaii Pacific University, Kaneohe (2013) y Honolulu Museum of Art, Hawái (Bienal 2011), entre otros. Vive y trabaja en Nueva York.

AMANDA BRAZIER

HERE (AQUÍ), 2023

Acuarela hecha a mano sobre papel hecho a mano, hilo de lino (en inglés)
Por cortesía de la artista

acerca de LA ARTISTA:

Amanda Brazier (1986, Nashville, TN) es una pintora que vive en Chattanooga, Tennessee. Desde 2011, ha estado recolectando y utilizando pigmentos de tierra locales en sus pinturas con el fin de conectar más profundamente con la historia y el material de la pintura y el lugar. También enseña y facilita programas para la organización de arte público Mark Making. Su obra se ha expuesto en el Hunter Museum of American Art, el Asheville Art Museum, el Instituto de Arte Contemporáneo de la Universidad de Tennessee en Chattanooga, la Southern Adventist University, la Freed-Hardeman University y Spalding Nix Fine Art. Entre las publicaciones en las que aparece su obra figuran New American Paintings y Anthology Magazine.

GIDEON MENDEL

CHINTA AND SAMUNDRI DAVI, SALEMPUR VILLAGE NEAR MUZAFFARPUR, BIHAR, INDIA. AUGUST(CHINTA Y SAMUNDRI DAVI, PUEBLO DE SALEMPUR CERCA DE MUZAFFARPUR, BIHAR, INDIA. AGOSTO DE 2007

Impresión cromogénica sobre Fuji Crystal Archive

Cortesía del artista y Axis Gallery, South Orange, NJ

CHRISTA AND SALOMON RAYMOND FILS. DECADE VILLAGE, HAITI. (CHRISTA Y SALOMON RAYMOND FILS. DECADE VILLAGE, HAITÍ.) SEPTIEMBRE DE 2008

Chromogenic print on Fuji Crystal Archive

Courtesy of the artist and Axis Gallery, South Orange, NJ

LUCAS WILLIAMS, LAWSHE PLANTATION, SOUTH CAROLINA, USA (LUCAS WILLIAMS, LAWSHE PLANTACIÓN, CAROLINA DEL SUR, EE.UU.) OCTUBRE DE 2015

Impresión cromogénica sobre Fuji Crystal Archive

Cortesía del artista y Axis Gallery, South Orange, NJ

Página web

ACERCA DE LAs OBRAS:

Submerged Portaits, Drowning World (Portajes sumergidos, Mundo que se ahoga) es una exploración de las inundaciones a través de la fotografía y el vídeo. Mi objetivo en este proyecto a largo plazo es retratar la condición humana en el contexto de los abrumadores fenómenos climáticos que se producen en todo el mundo. Esta empresa me ha llevado a un viaje creativo que me ha cambiado la vida. El tema ha supuesto un reto fundamental para mi práctica: a lo largo de los años, he pasado de un enfoque documental tradicional a otro que incorpora elementos más conceptuales y metafóricos junto con un activismo cada vez más profundo.

En 2007 tomé fotografías de dos inundaciones que se produjeron con pocas semanas de diferencia, una en el Reino Unido y otra en la India. Me impresionaron los efectos contrapuestos de estas inundaciones y la vulnerabilidad compartida que parecía unir a las personas que encontré en este paisaje.

Desde entonces, me he esforzado por visitar zonas inundadas de todo el mundo, siendo testigo de una experiencia humana compartida de catástrofe que trasciende las divisiones geográficas, culturales y económicas. El proyecto abarca ahora el Reino Unido (2007, 2014 y 2016), la India (2007 y 2014), Haití (2008), Pakistán (2010), Australia (2011), Tailandia (2011), Nigeria (2012), Alemania (2013), Filipinas (2013), Brasil (2015), Bangladesh (2015), Estados Unidos (2015, 2017 y 2018) y Francia (2016 y 2018).

Drowning World (Mundo ahogado) incluye algunas de las comunidades más pobres y más ricas del planeta, todas expuestas a las aguas de la inundación que las envuelve. En este momento, las inundaciones son un factor de nivelación, y las personas se unen en solidaridad visual.

En la serie Retratos sumergidos, mis sujetos se detienen y miran a la cámara desde sus casas inundadas y entornos devastados. La pose puede parecer convencional, pero el contexto es catastrófico y sus miradas son inquietantes. No son víctimas desvalidas, sino que muestran su capacidad de actuar en medio de la calamidad que les ha sobrevenido.

A lo largo de los años que llevamos realizando este trabajo, la situación geopolítica mundial en relación con nuestra emergencia climática se ha vuelto cada vez más urgente. A medida que experimentamos tantos fenómenos meteorológicos extremos, impulsados por el cambio climático, también vemos un negacionismo cada vez más agresivo (a menudo propugnado por líderes populistas); un sistema político mundial incapaz de tomar medidas significativas; y corporaciones petro-carbónicas que se resisten a adoptar la más mínima medida para reducir las emisiones de carbono. Ante todo esto, siento la responsabilidad personal de hacer que este proyecto hable lo más alto posible.

-Extracto de la página web del artista

Acerca dEL ARTISTA:

Gideon Mendel (nacido en 1959 en Johannesburgo, Sudáfrica) trabaja tanto en fotografía como en cine. Empezó a fotografiar en la década de 1980, durante los últimos años del apartheid, documentando la brutalidad de la respuesta del Estado sudafricano a las protestas pacíficas. A principios de los 90 se trasladó al Reino Unido y se embarcó en un proyecto para captar el impacto mundial del VIH y el sida. Desde 2007, Mendel trabaja en Drowning World, un proyecto artístico y reivindicativo sobre las inundaciones que se ha expuesto en numerosos museos de todo el mundo. Sus obras también se han publicado en revistas como National Geographic, The Guardian Weekend Magazine, The Independent Magazine, The Sunday Times Magazine, Geo y Aperture Magazine. Entre otros muchos galardones, Mendel ha ganado el Premio Eugene Smith de Fotografía Humanística, el Premio de Amnistía Internacional para los Medios de Comunicación, el Premio de Fotografía de Greenpeace y ha sido preseleccionado para el Premio de Fotografía de Greenpeace.

JOHN GERRARD

PETRO NATIONAL #40 (PETRO NACIONAL #40) (YEMEN), 2022

Simulación por computadora en un monitor

Cortesía del artista y Pace Gallery, Nueva York, NY

Página web

acerca de las obras:

La serie Flag and Petro National (Flag and Petro National) de John Gerrard presenta simulaciones por computadora realistas de ríos de todo el mundo, incluidos el Amazonas, el Danubio, el Nilo y el Yangtze. Para Petro Nacional #40 (Yemen), Gerrard produce un retrato de una pequeña sección de un río (o “wadi”) en Yemen, cuya superficie acuosa refleja los edificios reales y la flora del área circundante. En el centro de la pantalla también hay un derrame de gasolina con la forma del país, que refracta la luz con precisión para crear un campo prismático vívido.

El balanceo del río hace que el derrame de petróleo se mueva y ondee en forma de bandera, lo que genera alusiones a las formas en que las industrias de extracción de recursos incitan a la tensión con respecto a la propiedad de la tierra a través de las fronteras internacionales. Como es típico en el trabajo de Gerrard, las escenas no son de duración, sino que se representan en vivo para que se desarrollen en el transcurso de un ciclo solar anual, con cada Bandera ajustada a su hora local particular. El punto de vista rodea esta forma mientras el trabajo se desarrolla en un Ciclo solar de 365 días de noche y día.

Acerca dEL ARTISTA:

John Gerrard (Dublín, Irlanda, 1974) es conocido sobre todo por sus esculturas, que suelen adoptar la forma de simulaciones digitales mostradas mediante gráficos por ordenador en tiempo real. Rompiendo las divisiones entre el retrato, el paisaje y la pintura histórica, generando imágenes en movimiento que ya no pertenecen a los "medios basados en el tiempo", replanteándose el monumentalismo del land art en la era de Google Earth y explorando ahora un ámbito ampliado de la coreografía y la performance, la forma innovadora de la obra de Gerrard sigue el ritmo de la sutil complejidad de su temática.

Gerrard ha realizado exposiciones individuales en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza en Madrid, España (2019); Los Angeles County Museum of Art en Los Ángeles, CA (2018); Somerset House en Londres, Reino Unido (2017), entre otros. Ha participado en exposiciones colectivas como la Bienal de Texas, McNay Art Museum de San Antonio, TX (2021); Oil: Beauty and Horror in the Petrol Age, Kunstmuseum Wolfsburg, Alemania (2021); Feel the Sun in Your Mouth: Recent Acquisitions, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC (2019), y muchas otras. John Gerrard obtuvo su máster en Bellas Artes en la School of Art Institute de Chicago (2000) y su licenciatura en Escultura en la Ruskin School of Fine Art and Drawing de la Universidad de Oxford (1997).

LARISSA ROGERS

A POETIC OF LIVING, (UNA POÉTICA DEL VIVIR) 2021/2023

Tierra de Chattanooga, TN y Pen Park y Farmington Country Club en Charlottesville VA Celosia, Hongos, Oxígeno, Luz, Cuidados

Cortesía de la artista

ON BELONGING: THE SPACE IN BETWEEN, (SOBRE LA PERTENENCIA: EL ESPACIO INTERMEDIO) 2021/2023

Tierra de los límites de los estados atravesados entre California y Virginia, porcelana, azúcar moreno confitado, azúcar moreno crudo, fotografías, tepes, celosia, oxígeno, luz, cuidados

Cortesía de la artista

Página web

acerca de las obras

A Poetic of Living (Una poética del Vivir) utiliza la tierra como un material que habla de la vitalidad y la resiliencia de los negros, dado lo cerca que los negros están indexados a la muerte. Permanecemos a través del suelo. El suelo contiene trauma, desplazamiento, memoria e historia, pero también es un lugar de regeneración, posibilidad y futuro.

El Parque Recreativo de Pen Park, antes conocido como Pen Park Plantation, tiene un campo de golf. En el campo de golf hay cuarenta y tres tumbas de esclavos sin marcar. En Farmington hay un árbol colgante donde John Henry James fue linchado en 1898. No hay formas de reconocimiento en estos dos espacios.

Esta obra explora la amnesia y cómo se incorpora a nuestros espacios cotidianos e influye en nuestro concepto de la historia, las historias recordadas, las cosas conservadas, mantenidas, inalteradas o que se permite que permanezcan inmóviles. Al entrar en el espacio, el olor a moho húmedo se infiltra en el cuerpo y utiliza la repulsión como estrategia estética. Sin embargo, este olor deriva de que la tierra es lo que es y plantea la siguiente pregunta: ¿qué significaría que los negros pudieran simplemente existir sin miedo a la violencia corporal? El espectador tiene que pasar por encima de la tierra para entrar en el espacio. En esta acción, ya no se convierte en un espectador sin agencia, sino que tiene que enfrentarse al suelo para continuar.

Me interesan estas historias ocultas y utilizar un gesto de lo que significa conmemorar que no esté vinculado a un marco ilustrado de lo que significa permanecer, como un monumento. En esta instalación, utilizo mi cuerpo hecho de tierra y lo coloco en el suelo de Pen Park y Farmington Country Club, dos lugares vinculados a traumas y borrados pasados y presentes. Vuelvo a colocar el cuerpo de tierra en la tierra, como un monumento alternativo que está hecho de nuestros antepasados. Uno que hace crecer la vida mientras parece incapaz de hacerlo. En los cuerpos de tierra se cultiva celosia, una planta originaria de África oriental que se supone que fue traída durante la trata transatlántica de esclavos, junto con hongos. Tras la desintegración de los cuerpos de tierra, sólo quedarán las celosias y las plantas. Con este gesto, pido al público que reflexione sobre los sistemas de trabajo y pérdida que se ejercen sobre el cuerpo, así como sobre los alimentos, las plantas y los conocimientos transferidos por los esclavos, que han dado origen a lo que hoy vemos y conocemos en cuanto a belleza, intelecto, tecnologías y sustento. El suelo se convierte en una forma de hablar de esta noción de la vitalidad negra a pesar de la muerte y de las formas en las que uno puede cuidar (a través del acto de cultivar y cuidar estas plantas) que dan cuenta de una posible otra forma a pesar del terror. El hongo y la celosia hablan al mismo tiempo de la capacidad de la negritud para eludir la captura y superar los confines de la blancura.

On Belonging: The Space In Between (Sobre la pertenencia: The Space In Between) subraya la importancia del lugar, la pertenencia y el cuidado, excavando las historias ocultas incrustadas en la tierra como medio de regeneración, posibilidad y crecimiento. El artista construye instalaciones que rinden homenaje a las historias interconectadas en el suelo y la tierra de los que se crean, con el fin de explorar la doble naturaleza de la huida y la migración como medio de supervivencia y autoconservación, hablando en particular de la resiliencia de la diáspora.

Como mujer afroasiática de segunda generación que se ha trasladado recientemente de la costa este a la costa oeste, se relaciona personalmente con la dislocación y la falta de familiaridad de uno mismo con un lugar o una historia concretos. Profundiza en la naturaleza y complejidad de ser negra abordando las ideas de hibridez cultural y visibilidad.

Alejándose de las nociones colonizadas de la tierra como posesión o indigeneidad, la artista explora los procesos de movimiento como una práctica que las personas negras y morenas han utilizado para conceptualizar el lugar, la pertenencia y la cohabitación. A través de nuestra relación con la Tierra, esta dislocación puede alimentarse, ya que la migración rechaza las jerarquías de posesión y ecología. La naturaleza efímera y transformadora de estas esculturas se enfrenta a la temporalidad como algo ajeno a la cronología lineal, para afirmar que el descanso, la regeneración y el cultivo son titulares de la progresión.

In relation to core samples as the root of the Earth, the layers of the soil slabs and stratification of the sugar represent the components of the histories and shared experiences that our society is built upon. The artist juxtaposes a myriad of imagery within her work--historical, personal, and current-day events--to relate not only the hybridity which manifests in many different cultures and histories, but also the similarities of past and present societal structures such as the plantation system, sports, capitalism, patriarchy, commodification, and labor. The proximity of this imagery draws micro- and macro-parallels in the cyclical effect of the personal, relating to and affecting the larger world experience. The artist grew celosia from seedlings and embedded them into the soil, positioned in a place where they were subject to failure due to the lack of sunlight.

-Extracto de la página web del artista

acerca de LA ARTISTA

LaRissa Rogers (nacida en 1996) es una artista antidisciplinar negra y coreana criada en Ruckersville, Virginia. Actualmente vive entre Virginia y Los Ángeles. Es licenciada en Pintura y Grabado y en Compra de Moda Internacional por la Virginia Commonwealth University. Rogers ha expuesto y actuado en instituciones como Frieze Seoul (Corea), Documenta 15 (Alemania), Fields Projects (NY), M+B Gallery (CA), 1708 Gallery (VA), Second Street Gallery (VA), Black Ground (Colombia), W Doha (Qatar), The Fronte Arte Cultura (CA), LACE (CA), Grand Central Art Center (CA) y el Museum of Contemporary Art (VA), entre otras. Ha recibido la beca de Artes Visuales del Museo de Bellas Artes de Virginia (2022) y la beca Black Artists and Designers Guild Creative Futures Grant (2022). Rogers asistió a las residencias BEMIS Center of Contemporary Art (2022), Black Spatial Relics Residency (2022) y SOMA (2019), entre otras. En la actualidad, Rogers cursa un máster en Nuevos Géneros en la Universidad de California Los Ángeles.

CARA ROMERO

EVOLVERS (EVOLVENTES), 2019

Impresión digital sobre dibond 

Cortesía de la artista

Página Web

acerca de las obras:

Romero’s Evolvers (2019), (Evolvers de Romero), una obra que forma parte de la serie Jackrabbit, Cottontail & Spirits of the Desert (Liebre conejo, y espíritus del desierto), fue encargada e instalada originalmente en vallas publicitarias para la edición de 2019 de Desert X en Coachella Valley. La imagen muestra a cuatro niños corriendo en el desierto a través de un campo de turbinas de molino de viento. Romero llama a estos niños "visitantes de Chemehuevi que viajan en el tiempo" y que representan a guerreros de la memoria, que luchan para recordarnos la ocupación colonial sostenida de las tierras indígenas y los intentos de asimilación forzada y borrado de las culturas indígenas. Evolvers es un ejemplo de la práctica de Romero, a través de la cual da visibilidad a los pueblos indígenas de todo el mundo y a su territorio natal en la reserva Chemehuevi y sus alrededores, en el sur de California. También pretende ampliar las conversaciones sobre el colapso climático y el racismo medioambiental.

Al matricularse en una clase de fotografía en blanco y negro con el fotógrafo de protestas Bill Thomas, Romero reorientó su trabajo. "Todo surgió porque no veía el reflejo [de los pueblos indígenas] en el mundo académico ni en los medios de comunicación", explicó Romero a Hyperallergic durante una entrevista. "Tengo esta experiencia vivida en el suroeste, en la reserva. Con esa perspectiva, al ir a un gran epicentro urbano fuera del suroeste, me di cuenta de que el resto de Estados Unidos no tiene ni idea de quiénes somos".

-Extracto de Erin Joyce, “Cara Romero Stands Defiant Against Institutional Categorization” en Hyperallergic  

acerca de LA ARTISTA:

Cara Romero (1977, Inglewood, California) es una fotógrafa contemporánea y miembro de la tribu india Chemehuevi. Se crió entre la reserva rural chemehuevi del desierto de Mojave (California) y la expansión urbana de Houston (Texas). Su fotografía, basada en su identidad, examina la memoria cultural indígena y no indígena, la historia colectiva y las experiencias vividas desde la perspectiva de una mujer indígena americana.

Romero estudió antropología cultural en la Universidad de Houston, aunque más tarde se dedicó a la fotografía para hablar de la cultura y la representación indígenas. Desde 1998, su trabajo se ha basado en una formación formal en fotografía cinematográfica, digital, artística y comercial. Romero mantiene un estudio en Santa Fe, NM, y participa en ferias de arte nativo americano y mesas redondas, y apareció en Craft in America (2019) de PBS. Su trabajo galardonado está incluido en muchas colecciones públicas y privadas a nivel internacional. Divide su tiempo entre Santa Fe y la Reserva India del Valle Chemehuevi.

KANDIS WILLIAMS

ANNEXATION: A TANGO (ANEXIÓN: UN TANGO), 2020

Vídeo HD en color con sonido

Cortesía del artista y Moran Moran, Los Ángeles, CA

Página Web

acerca de las obras:

Annexation: A Tango (Anexión: Un tango) capta al bailarín Roderick George interpretando el tango -a veces individualmente y otras con una figura abstracta- a través de escenas de incendios forestales en California y prisiones agrícolas en Virginia, como el Reformatorio de Lorton y la Prisión Estatal Agrícola de Virginia. Ambientada con música nacida de los espirituales africanos de los esclavos y un telón de fondo de lugares labrados y extinguidos por personas encarceladas, la película de Kandis Williams Annexation: A Tango ilustra el vínculo perdurable entre el cultivo de plantas y el trabajo forzado. La película también adopta formas similares a las de un collage, es decir, la unión de imágenes aparentemente dispares, para subrayar la transculturación y metamorfosis de la expresión creativa negra debido al trabajo forzado y subyugador.

Escalonados a lo largo de las vías fluviales de Virginia -las mismas rutas acuáticas que partían de Richmond y que establecieron el comercio intranacional de esclavos- se encuentran el Reformatorio de Lorton y la Prisión Estatal Agrícola de Virginia, en el condado de Goochland. El reformatorio de Lorton, que funcionó desde 1910 hasta 2001, se creó para recluir a los "desórdenes mundanos" de Washington D.C., es decir, los hombres y mujeres que frecuentaban los burdeles y bares de la capital. Con el pretexto de la rehabilitación, los presos de Lorton fueron sometidos a programas de trabajo agrícola que iban desde el cultivo de campos, pastos y granjas avícolas hasta ranchos porcinos y herrerías, todo ello repartido por las casi 3.200 hectáreas del campus. En las décadas de 1970 y 1980, el centro también acogió a músicos notables, como el "Padrino del Go-Go" Chuck Brown y el líder de Bad Brains, H.R., uno de los muchos momentos culturales pasados por alto y no comentados en los centros penitenciarios debido a la inaccesibilidad o lo incompleto de los recursos archivísticos. En 2002, tras décadas de hacinamiento y deterioro, el Reformatorio se convirtió en el Workhouse Art Center, hoy un centro de artes visuales y escénicas de renombre local, compuesto por estudios de artistas, salas de música y galerías.

En comparación, la prisión de Virginia State Farm, que funcionó entre 1896 y 2011 y que todavía tiene zonas en uso, sirvió como fondo cinematográfico para representaciones performativas de la esclavitud en Harriet (2019) y Lincoln (2012), donde se producían trabajos forzados reales. En la película, Williams hace hincapié en la extraña reproducción de la arquitectura de las plantaciones coloniales, el paisaje, la supresión de la cultura y, por supuesto, la explotación laboral de cada prisión.

El tango tiene sus orígenes en África Central y Occidental, y es una danza dinámica que se impregna de significados espirituales y metafóricos con cada movimiento cinético. Introducido en Sudamérica a mediados del siglo XIX por africanos esclavizados que llegaron a través de la trata transatlántica de esclavos, el tango fue rápidamente apropiado, reelaborado y reconvertido en danzas al servicio de los cooptadores. El candombe, por ejemplo, fue una de las formas originales del tango interpretada por afrodescendientes que vivían en las zonas empobrecidas de Uruguay y Argentina en las décadas de 1830 y 1840. Más tarde fue fetichizado por hombres sudamericanos que empleaban las sensuales posturas del candome, mejilla con mejilla, como muestra coreográfica de enamoramiento y posesión de su pareja o de otro ser. En la actualidad, el tango es un producto collage compuesto por intervenciones sudamericanas e incluso italianas que encapsula el modo en que la absorción y la anexión equivalen al borrado cultural.

-Extracto de Haley Clouser, "Collage and (In)Visible Histories: Kandis Williams at ICA VCU," Burnaway

acerca de LA ARTISTA:

Kandis Williams (1985, Baltimore, MD) se licenció en Bellas Artes por la Cooper Union en 2009. Ha presentado exposiciones individuales en 52 Walker, un espacio expositivo de David Zwirner, Nueva York, NY; Night Gallery, Los Ángeles, CA; el Instituto de Arte Contemporáneo de la Virginia Commonwealth University, Richmond, VA; Works on Paper, Viena; St. Charles Projects, Baltimore, MD; y SADE, Los Ángeles. Ha participado en exposiciones colectivas en varias instituciones, como el Hammer Museum y Huntington Libraries, Los Ángeles; Baltimore Museum of Art, Baltimore; Frye Art Museum, Seattle, WA; y Studio Museum in Harlem, Nueva York. Su obra ha aparecido recientemente en el New York Times, Hyperallergic, Artforum, GQ Style, Frieze, W Magazine, LA Weekly y Cultured, entre otros. Su obra figura en las colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, el Museo Hammer de Los Ángeles y el Museo de Arte de Baltimore. En 2021 recibirá el prestigioso Premio Mohn y el Premio de Ayudas a Artistas 2021 de la Fundación de Arte Contemporáneo.

LECTURAS RECOMENDADAS Y EXPOSICIONES RELACIONADAS

Jeffery Goodell, The Water Will Come: Rising Seas, Sinking Cities, and the Remaking of the Civilized World, 2017

Malcolm X, “Message to the Grass Roots,” November 10, 1963

Roxanne Dunbar-Ortize, An Indigenous Peoples’ History of the United States, Roxanne Dunbar-Ortiz, 2015

Robin Wall Kimmerer, Braiding Sweetgrass: Indigenous Wisdom, Scientific Knowledge and the Teachings of Plants, 2015

Haley Clouser, “Collage and (In)Visible Histories: Kandis Williams at ICA VCU,” Burnaway, 2020

Rob Nixon, Slow Violence and the Environmentalism of the Poor, 

Makeda Best, Devour the Land: War and American Landscape Photography desde 1970, Harvard Art Museums, November 2021, exh. Cat., enlace a la exposición: https://harvardartmuseums.org/exhibitions/5877/devour-the-land-war-and-american-landscape-photography-since-1970 

Caroline A. Jones and Natalie Bell, Symbionts: Contemporary Artists and the Biosphere, MIT Press and MIT List Visual Arts Center, November 2022., exh. Cat., enlace a la exposición: https://listart.mit.edu/exhibitions/symbionts-contemporary-artists-biosphere 

Valerie Cassel Oliver, The Dirty South: Contemporary Art, Material Culture, and the Sonic Impulse, Virginia Museum of Fine Arts, May 2021, exh. Cat, enlace a la exposición: https://vmfa.museum/exhibitions/exhibitions/dirty-south-contemporary-art-material-culture-sonic-impulse/ 

Johanna Minich, American Land, American People, Virginia Museum of Fine Arts, enlace a la exposición: https://vmfa.museum/collections/stories/american-land-american-people/